ROXETTE HOMENAJEÓ A GUSTAVO CERATI

Luego del éxito que tuvo Roxette el año pasado en el país, la dupla sueca que revolucionó el Pop a fines de los '80, decidió volver para complacer a sus fans con todos los éxitos que marcaron una época y rindieron un homenaje a Gustavo Cerati, reconocido por muchos artistas internacionales como el mejor musico de la Argentina.

Lleno de jóvenes -de entre 30 y 40 años-, el Luna Park vibró durante las dos horas de show que ofrecieron el martes 24 de abril, ante un estadio colmado de fanáticos eufóricos -unas 15 mil personas- que corearon cada uno de los temas e hicieron que los artistas agradecieran en reiteradas oportunidades el calor del público argentino.

 

El show comenzó pasadas las 21 horas con un saludo: "Aplauda, Buenos Aires. Es tan lindo verlos a todos. Buenas noches, Buenos Aires, es maravilloso verlos nuevamente y ver tantas caras familiares". El primer tema fue "Dressed for Succes", seguido de "Sleeping in my car", con la mítica cantante Marie Fredriksson luciendo una remera de los Rolling Stones, pantalón y chaqueta negros, estática pero deslumbrante (recuperada del tumor cerebral detectado en 2002) y Per Gessle enérgico y eufórico ante la calidez del público.

El recital siguió con clásicos como "She’s Got Nthing On (But The Radio)", "It Must Have Been Love", "Perfect Day" y "Fading Like a Flower", entre otros. Y llegó a su punto máximo "How Do You Do", "Dangerous" y "Joyride".

Tras la presentación de todos los integrantes de la banda, quien sorprendió fue Christopher Lundquist, el guitarrista que interpretó el tema de Soda Stereo "De música ligera", tal vez a modo de homenaje a Gustavo Cerati.

Para el final del show, Roxette dejó varios clásicos como "Spending My Time", "The Look", "Listen To Your Heart” y "Church of Your Heart", temas que todos corearon, incluso cuando ya había terminado el recital. Emocionados, los suecos se retiraron del escenario a las 23 horas con la promesa de volver a visitar al público argentino que, según afirmaron, es "de los mejores".

FITO EMOCIONÓ SAN TELMO

Fito Páez ofreció un cálido y breve recital en un local del barrio de San Telmo como antesala de su gira mundial "Veinte años después del amor", que iniciará en junio en Santiago de Chile y con la que celebrará las dos décadas de la publicación de "El amor después del amor", el álbum más vendido de la historia del rock argentino.

Envuelto en un traje negro y con corbata, anteojos y medias color rojo, el artista rosarino ofreció un show íntimo en el estudio Samsung (Balcarce 433), donde al frente de una nueva y potente banda que tiene como bajista al reconocido jazzero Mariano Otero desgranó en media hora cinco canciones de aquel memorable disco.

"El amor después del amor", "Dos días en la vida" -que el músico le dedicó a "dos señoritas muy buenas que se fueron de sus casas", "La Verónica", "Tráfico por Katmandú" y "La rueda mágica", fueron los temas (todos devenidos en hits del rock argentino) que Fito eligió revivir en versiones que respetan a las originales para presentar la gran gira que dará dentro del "Movistar Free Music" (el mismo que trajo Jane´s Addiction y que acompañó el regreso de Illya Kuryaki and The Valderramas).

Diego Olivero (piano y voz), Juan Absats (teclado y voces), Dizzy (guitarras), Gastón Baremberg (batería) y la atractiva colombiana Adriana Ferrer (coros), completan la formación que debutó esta noche después de dos semanas de intensos ensayos y secundará a Páez en esta travesía musical.

"Tiene pinta", expresó Páez al finalizar su set en una breve charla que mantuvo con Mario Pergolini, anfitrión del ciclo por segundo año consecutivo, al referirse al resultado sonoro de la agrupación.

"El disco llegó a vender 1.200.000 copias hasta la fecha y eso es algo que lo pone en un lugar especial, ya que lo convierte en el más vendido de la historia del rock-pop argentino, y todos sus temas son cortes", dijo Pergolini.

Sofía Gala, Erica García, Gabriel Carámbula y periodistas del rock, asistieron al encuentro que transmitió en directo la radio Vorterix (del mismo Pergolini), en el que -entre champagne y sushi- Fito le dio nueva vida a un puñado de canciones que marcan una etapa en la historia de la música popular argentina.

La serie de presentaciones por diversos escenarios del planeta se rematará hacia finales del año en Buenos Aires en el marco del "Movistar Free Music", promete recorrer todos los temas del disco en su orden original.

La placa reúne las canciones "El amor después del amor", "Dos días en la vida", "La Verónica", "Tráfico por Katmandú", "Pétalo de sal", "Sasha, Sissí y el círculo de baba", "Un vestido y un amor", "Tumbas de la gloria", "La rueda mágica", "Creo", "Detrás del muro de los lamentos", "La balada de Donna Helena", "Brillante sobre el mic" y "A rodar mi vida".

Aunque muchas de esas obras integran el repertorio habitual de Fito, la producción de este tour promete una puesta en escena especialmente creada para el festejo.

Del emblemático disco participó la banda de Páez de entonces (Tweety González, Ulises Butrón, Guillermo Vadalá y Daniel Colombres), pero además sumó a invitados como Mercedes Sosa, Luis Alberto Spinetta, Charly García, Andrés Calamaro, Fabiana Cantilo, Gustavo Cerati, Lucho González, Antonio Carmona, Claudia Puyó y Ariel Rot, por citar solamente a algunos.

Fito Páez iniciará el tour el 2 de junio en Santiago de Chile y continuará su viaje en el Palacio de los deportes, de San José de Costa Rica, Caracas Venezuela, Maracaibo Venezuela, Bogotá Colombia, Medellín Colombia, Sao Pablo Brasil, Curitiba Brasil, Porto Alegre Brasil y Velódromo Montevideo Uruguay.

En octubre regresará a la Argentina para cerrar el "Movistar Free Music" 2012 en el Planetario, y luego se presentará en el Festival Macay Venezuela, Perú, Paraguay, Bolivia, México, Miami, Nueva York, El Salvador, Nicaragua, Honduras, Panamá, España, Israel, Londres, París y en las ciudades argentinas de Mendoza, Córdoba, Rosario, y Tucumán.

"El amor…" fue presentado en el estadio cubierto de Newell`s Old Boys de Rosario y luego concretó 11 noches en el teatro Gran Rex de Buenos Aires, como anticipo de lo que sería "La Rueda Mágica Tour 93", que le permitió llenar tres veces el estadio de Vélez (los días 24 y 25 de abril en el cierre de la gira y el 26 de diciembre a beneficio de UNICEF Argentina, entidad a la que le donó 420.000 dólares).

ROBIN GIBB SALIÓ DEL COMA

El cantante Robin Gibb de los Bee Gees, sale del coma después de haber permanecido en este estado durante casi dos semanas y que los médicos le hubieran diagnosticado que faltaba poco para que muriera.

El cantante de 62 años, padece de un cáncer colorectal, igual al que padecía su hermano que falleció por el mismo padecimiento. En el caso de Robin, fue sometido a 2 cirugías y quimioterapias, lo que causó que se debilitara y le diera neumonía que lo llevo al coma. Esto declaró su médico Andrew Taillainayagam.

Su hijo Robin John Gibb, declaró que su padre es especial, porque ha superado los pronósticos que decían que tenía un 10% de probabilidades de vida.

Robin Gibb esta consciente y puede hablar, todos los días su esposa y sus hijos le platican y le cantan canciones, lo que lo mantiene animado, afirmó el doctor.

Según contó el portavoz del artista, durante este tiempo su familia estuvo a su lado en todo momento e, incluso, su esposa Dwina agregó que Gibb lloró cuando ella le tocó el tema “Crying” de Roy Orbison.

FELIZ MEDIO SIGLO ROLLING STONES!

Son los miembros de la banda más vieja de la historia y llevan ese calificativo absolutamente sin ningún complejo. Durante sus cinco décadas de carrera fueron capaces de cambiar y nutrir para siempre la historia de la música, imponer sus propias reglas, protagonizar escándalos de todo tipo y color, ser odiados, ser venerados, ser prohibidos, ser difundidos hasta el hartazgo... The Rolling Stones cumple hoy 50 años de vida y a lo largo de su historia cosechó logros de todo tipo, pero sin dudas el más destacado es justamente haber llegado juntos hasta hoy, luego de tantas idas y vueltas, una marca jamás lograda por una banda de rock.

La historia de los ingleses es conocida. Mick Jagger y Keith Richards compartieron desde chicos la escuela y su pasión por la música, en especial el Rythm & Blues. En 1961 armaron "Little Boy Blue & Blue Boys", una banda en la que interpretaban música negra. Un año después conocieron a Brian Jones, quien se unió al grupo, y decidieron rebautizar a la banda. El 24 de abril de 1962 se pasaron a llamar "The Rolling Stones", inspirados en el clásico "Rolling Stones Blues", de Muddy Waters, uno de los más grandes referentes del blues. Tiempo después se sumó el baterista Charlie Watts.

A partir de entonces, la explosión del grupo fue notoria. Siempre corriendo a la par de The Beatles, The Rolling Stones con el tiempo adoptó una postura más contestataria no sólo desde su vestimenta, sino también desde la concepción de su música. El resultado, es obvio decirlo, fue más que bueno, a tal punto que se transformaron en una aceitada maquinaria de facturar.

En la actualidad, la fortuna de los cuatro integrantes de la banda ronda los u$s 1.300 millones, desde ya con su líder, Mick Jagger, a la cabeza. La cuenta del cantante llega hasta los u$s 600 millones, seguido por los u$s 300 millones de Keith Richards, los u$s 250 millones de Charlie Watts y los u$s 150 millones de Ronnie Wood.

En sus comienzos, cuando todavía intentaban mantener una postura lo más prolija posible (de traje y con peinados muy similares a los de The Beatles), la idea no pasaba ni cerca de alcanzar una marca semejante. Pero la idea de poder ser una banda no capaz de amasar millones, pero sí de lograr una masividad, se gestó justamente cuando John Lennon y compañía comenzaron a llamar cada vez más la atención.

Eso despertó a Mick, Keith, Charlie y Brian. Ellos habían nacido en Londres, uno de los ombligos del mundo. Y The Beatles en Liverpool, una ciudad considerada como algo menor. Nosotros los mirábamos despectivamente desde nuestro origen londinense. Veíamos que si unos chicos de Liverpool podían hacerlo, ¿cómo no íbamos a ser capaces nosotros, que vivíamos en Londres?, reconoció Richards alguna vez. Así se generó ese eterno enfrentamiento entre ambas bandas, algo que siempre fue alimentado más por los medios y los fanáticos que por ellos mismos, ya que tenían una buena relación.

El objetivo de lograr masividad y que luego se transformó en sumar dinero en sus cuentas no sólo se logró, sino que allí también rompieron récords. Hasta hoy, Bigger Bang, la gira con la que presentaron el disco homónimo entre 2006 y 2007, es la más productiva de la historia, con una facturación que superó los 500 millones de dólares.

El gran gestor de esta maquinaria capaz de generar millones fue el príncipe Rupert Loewenstein, quien acompañó a la banda durante 37 años, hasta 2007. Manejaba todas las cuentas del grupo, y su reputación era tan buena que se lo conocía como la calculadora humana. Loewenstein fue quien sacó al grupo de la ruina a comienzos de los 70, cuando los Stones ya tenían un recorrido hecho, pero con sus cuentas destrozadas.

Por ese entonces, la banda estaba fuertemente endeudada con el fisco británico, situación que llevó a Mick Jagger a contratar los servicios del banquero. La leyenda cuenta que este hombre de negocios no sabía de la existencia del grupo hasta que fue contactado por el músico. Su gestión fue fundamental para el futuro económico de la banda gracias a los acuerdos que firmó, entre ellos uno de u$s 25 millones con la discográfica CBS.

Se estima que bajo su gestion The Rolling Stones ganó no menos de u$s 2.000 millones.

A su capacidad se sumó luego la habilidad de Jagger para entender el negocio. El músico tuvo un breve paso como estudiante de finanzas y economía en la London School of Economics, algo que evidentemente le dio una base como para moverse en su carrera.

"Cuando los Rolling Stones empezaron, no se hacía dinero porque las discográficas no te pagaban; las regalías eran muy pequeñas. Si vendías un millón de discos te pagaban un millón de centavos", relató en alguna oportunidad Jagger sobre los comienzos.

Luego, por 1972, cuando editaron el exitoso "Exile on Main Street", tomaron más fuerte el control de sus negocios y el dinero comenzó a aparecer.

Hoy, los Rolling se encuentran en un parate. Su gira mundial para festejar sus 50 años de vida será en 2013, y no este año. La salud y la fuerza de sus majestades satánicas ya no son las mismas que cuando arrancaron.

LOS RED HOT Y SU DISCO DE COVERS

Como se sabe la semana pasada, el grupo Red Hot Chili Peppers entraron, junto con otros grupos como Beastie Boys y Guns N’ Roses, al Salón de la Fama del Rock, un honor sin duda muy merecido para una banda que ya tiene un lugar más que ganado en la historia de la música actual.

En base a ello, la banda ha decidido festejar tan merecido homenaje a través del lanzamiento de un EP (Extended Play) en formato digital, el cual llevará por nombre 'We Salute You' y será publicado el próximo 1 de mayo; así lo hicieron público en su página oficial.

El mismo contiene seis covers de diversas bandas que han influenciado musicalmente a esta agrupación, entre ellos The Ramones, Iggy & The Stooges, Neil Young, David Bowie, The Beach Boys y Dion and the Belmonts.

Los temas grabados en estudio son 'A Teenager In Love', de Dion and the Belmonts; 'Havana Affair', de los Ramones, y 'Search & Destroy', de Iggy and the Stooges. Red Hot Chili Peppers añade a éstas 'I Get Around', de los Beach Boys; 'Everybody Knows This Is Nowhere', de Neil Young, y 'Suffragette City', de David Bowie.

De estas seis melodías, cinco son inéditas en el formato digital, aunque obviamente ya habían aparecido en diversos formatos a lo largo de los años. Por ejemplo, “Havana Affair” fue la contribución que la banda dio al tributo a The Ramones; mientras que “Suffragette City” apareció como lado B del tema “Aeroplane”, uno de los sencillos de su muy celebrado One Hot Minute. Finalmente, tres de las grabaciones fueron hechas en vivo.

Para los que conozcan la distinción entre EP y LP (álbum), conviene decir, que suele ser una diferencia de duración. Por lo general el EP no dura más de 25 minutos respecto al LP, aunque en la decisión tambien influyen otros factores artísticos o comerciales.

A este paso, quien sabe si tendremos un EP mensual de los pepinillos rojos picantes y calientes, los mismos irreverentes que en sus inicios actuaban con apenas un calcetín en los genitales y completamente desnudos.

Red Hot Chili Peppers, de gira

El grupo se encuentra ahora de gira por Estados Unidos. Los Red Hot Chili Peppers están arrasando sobre el escenario a la espera de cruzar el charlo y poner rumbo a Europa. En España estarán en el Rock in Rio, en Madrid, el 7 de junio.

Esperemos pronto tenerlos en Latinoamérica nuevamente y sobre todo en nuestro País.

ROY ORBISON: UN GRAN EJEMPLO DE PERFIL BAJO

"A nadie se le parte el corazón por el primer amor. Sólo por el último”

Cuando el rock’n’roll se popularizó a finales de los cincuenta, Roy Orbison podía haber sido una superestrella, un ídolo juvenil de masas, pero fue un hombre solitario. Como tantos que desfilaron por los cincuenta y setenta, podía haber sido uno de esos chicos con una voz especial y un marcado estilo que se instalaban en las listas de éxito como fulgurantes aves de paso, mientras firmaban autógrafos y bebían las mieles de la fama, pero Roy Orbison no estaba llamado a sonreír al primer tiro de cámara. Tras sus gafas de sol, el caballero de la triste figura escondía siempre una mirada tímida, y en su colosal voz latía la herida del puñal de la nostalgia.

Como en el viejo Oeste, la soledad guarda un encanto distinto y guía los pasos por su propio camino. En el mundo de la música popular, el camino de Orbison se hallaba en tierra de nadie. A pesar de su edad, no perteneció a la conocida Clase del 55, ese grupo de pioneros liderados por Elvis Presley al que se sumaba gente como Eddie Cochran, Gene Vicent, Chuck Berry o Little Richard. Le faltaba el descaro de todos ellos. Apenas surgió poco después del estallido del rock, dentro de esa generación que la industria discográfica moldeó para ofrecer cantantes menos rebeldes, más amables al gran público, que se llamó la generación High School. La frescura y el desenfreno originales perdían fuerza ante la actitud romántica y complaciente. Sin embargo, Orbison planeaba por distintos paisajes sentimentales que Paul Anka, Bobby Darin o Frank Avalon, todos ellos compañeros de generación. Sus canciones cruzaban la frontera de lo humano, caían en el abismo emocional, se teñían de una solemne desazón, hasta hacerse únicas e imperecederas.

Nacido en 1936 en Vernon, en el Estado de Texas, Orbison se crió en pleno desierto. Con menos de diez años, ya tenía una guitarra y se las arreglaba para tocar en la emisora local. Con la llanura como principal horizonte, no es de extrañar que empezara su carrera musical en el country. Su primera banda, los Wink Westerners, pasa a llamarse los Teen Kings y con ellos graba ‘Ooby dooby’, su primer tema importante para la casa Sun Records. Sam Phillips ve en él a un tipo con un interesante potencial para el rockabilly, pero en ese género Orbison no consigue despuntar. De alguna manera, el chico inocente y retraído no transmite la fuerza y atractivo de Johnny Cash o Elvis Presley. Tampoco en el sello RCA, a las órdenes del gran Chet Atkins, se desarrolla el potencial de Orbison.
Asentado en las raíces pero sin un estilo majestuoso, el músico pasa por ser un artista más que correcto con destacadas cualidades vocales. Sin embargo, su fichaje por la discográfica Monument supone el cambio definitivo. Se deja de imposiciones y explora su sentido musical marcado por el drama, la emoción desbordante. Canciones de menos de cuatro minutos que se desenvuelven como un torrente sentimental, cogiendo fuerza, hasta terminar en una cascada de instrumentos y una voz en el infinito. ‘Only the lonely’ es el punto de inflexión de su carrera, que llega a lo más alto de las listas de Estados Unidos y Reino Unido. La primera de una serie de baladas que revelan a un músico excepcional en el terreno de las emociones.

Con su voz estratosférica y esos arreglos operísticos, Orbison desarrolla en el comienzo de los sesenta una carrera repleta de éxitos. Durante cinco años, desde 1960 a 1965, consigue 17 tops, entre los que destacan ‘Crying’ o ‘In dreams’, con la cumbre de ‘Oh, pretty woman’. Una vez que se ha quitado la etiqueta de cantante de rockabilly, el músico se reconoce en su ámbito baladístico, en la nueva intensidad que adquieren sus viñetas musicales sobre el deseo, el amor perdido o la oportunidad fallida. Orbison se convierte en otro destacado rastreador de la soledad hiriente que forma parte de la mitología de EE UU.

La soledad que acompaña a la búsqueda personal, el anhelo que guía los pasos hacia la promesa incierta de una tierra prometida, la tristeza que se respira en la medianoche de la vida, cuando lo único verdadero son los acompasados latidos del corazón. Con el desamparo etéreo de sus baladas, Orbison se sitúa en esa línea narrativa y vital de la soledad norteamericana, un afán que ya nacía en el aire lúgubre del capitán Ahab, en el “Moby Dick” de Melville. O en el desencanto y fragilidad de Scott Fizgerald, en los rutilantes años veinte, cuando afirmaba: “Cuando oscurece, siempre se necesita a alguien”. Es la noche estrellada de Jack Kerouac en su obra “En el camino”, “esa noche que es una bendición para la tierra, que oscurece los ríos, se traga las cumbres y envuelve la orilla al final, y nadie, nadie sabe lo que va a pasar a nadie excepto que todos seguirán desamparados y haciéndose viejos”. El llanto perdido de ‘In dreams’, una de las pocas canciones que fueron compuestas única y exclusivamente por él e incluida en la película de David Lynch “Blue velvet”, guarda el mismo instante solitario, el mismo hechizo, que todas esas obras y que cualquier trasnochador, pintado en la penumbra, de Edward Hopper.

"Su mujer Claudette, a la que dedicó una canción, sufre un accidente de moto y muere. Dos años más tarde, su casa es pasto de las llamas y en el incendio fallecen dos de sus hijos. El músico es víctima de la desdicha, se encierra en sí mismo y desaparece de la vida social durante años”

Pero la vida se encargó de que el personaje de sus canciones fuera también una existencia real. La tragedia se llevó por delante la vida de Orbison. En 1966, su mujer Claudette, a la que dedicó una canción, sufre un accidente de moto y muere. Dos años más tarde, su casa es pasto de las llamas y en el incendio fallecen dos de sus hijos. El músico es víctima de la desdicha, se encierra en sí mismo y desaparece de la vida social durante años. A partir de entonces, la aureola trágica que rodea a Orbison adquiere una categoría sobrenatural al verle escondido en sus gafas oscuras, con su sonrisa rota, interpretando canciones como ‘It’s over’, ‘Falling’ o ‘In the real world’. Es el forajido que conoce sus fantasmas, y los invoca.

A mediados de los setenta, varios músicos empiezan a reivindicarle. Linda Ronstadt o Don McLean recuperan clásicos suyos como ‘Blue bayou’ o ‘Crying’, respectivamente. John Lennon llega a afirmar que siempre quiso parecerse a Roy Orbison por encima de cualquier otro músico. Bruce Springsteen le rinde tributo en su épica ‘Thunder road’. “Roy Orbison está cantando para los solitarios. Esto lo que soy y sólo te quiero a ti”, escribe el de Nueva Jersey. Emociona aún más verle en los ochenta en los grandiosos Traveling Willburys, ese proyecto espontáneo, divertido y fabuloso que reunió a Bob Dylan, Tom Petty, George Harrison, Jeff Lynne y el mismo Orbison. Fichaje de última hora, Orbison se suma cuando andaba cerrando su magnífico disco “Mystery girl”, producido por Lynne. En el documental de aquellas sesiones de grabación en Malibu, se ve el respeto que le profesan todos. Allí están todo un Dylan y un Harrison, piezas angulares de la historia de la música popular, pero Orbison es el padre de familia. Nadie duda de su categoría. Lo dicen todos. Cuando Roy canta, se para el mundo. Existe una lejanía en su canto al que no llega nadie. Pone los pelos de punta observar cómo Dylan, Harrison, Petty y Lynne retroceden un paso cuando en ‘Handle with care’ llega la hora de Orbison.

Este respeto también se palpa en el magnífico “Black & white night”, homenaje a toda una carrera que reúne a Elvis Costello, Springsteen, Tom Waits, Jackson Browne, T-Bone Burnett, Bonnie Raitt, J.D. Souther y k.d. lang. Esta cosecha de oro se rinde ante sus paisajes sentimentales y su intensidad operística. En blanco y negro, hay una complicidad artística con el músico que con sus canciones les acompañó durante su adolescencia e inspiró sus posteriores obras. Según Waits, una balada suya era suficiente para llenar la noche con una chica. Tras emborracharse de Orbison durante su juventud, el propio Waits, vagabundo bendito, bardo callejero, autoestopista nocturno, aseguró a la revista “Newsweek” en 1976: “Hay una soledad común que se extiende de costa a costa. Es como una inconexa crisis de identidad común. Es la oscura, cálida, narcótica noche americana”. Posiblemente, esa noche americana, la de las grandes llanuras con estrellas o la de las palpitantes luces de neón al girar la esquina, guarde el secreto del llanto estratosférico de Roy Orbison, que recorre con ardor las tribulaciones del alma.

GRACIAS POR LAS VISITAS--- VOTA POR TU BANDA FAVORITA EN LA ENCUESTA DE LA DERECHA!!

Hola comunidad de rockers, es muy grato para mi informarles que en menos de una semana ya tenemos mas de 220 visitas con la ayuda del twitter y del facebook, este blog se basa en muchas ideas como el dar noticias referidas al rock/pop, rock and roll y todos los derivados y no se queda solo en noticias, sino en anecdotas, efemérides, curiosidades, proximos recitales, fechas completas de giras internacionales y nacionales con fuentes externas y redacciones propias en combinacion

Los post se realizan todos los dias con excepcion de los sabados y domingos que de verdad estoy absolutamente out y solo quiero salir de joda jajajajaja

Asi mismo estaré abriendo un espacio de locales y underground para apoyar a las bandas que tanto la luchan para poder llegar donde merecen y para que el publico tambien se entere que opciones tiene para visitar, si tenes tu banda solo tenes que enviarme un comment y te paso un mail donde enviaras dos fotos de tu banda y hago un post para promocionarte

Agradezco tambien la difusion de la pagina a toda tu gente en twitter o facebook para asi seguir creciendo, hasta el dia de hoy es un buen balance y es lo que se busca, si queres tambien podes hacerte miembro del blog en la parte derecha

ENCUESTA DE TU BANDA FAVORITA DE LOS AÑOS 70 

A la derecha podras ver que me atreví a sacar una estadistica con 4 verdaderos gigantes y si bien es muy dificil elegir a uno entre esos 4 grandes, hay muchas ganas de saber cual es la banda mas votada estadisticamente

Muy a mi estilo te dejo las fotos de estas 4 bandas porque todo entra por la vista

Muchas gracias seguidores!!


LED ZEPPELIN:

La banda formada por Jimmy Page ( ex yardbirds) con la excelente voz de Robert Plant, el bajista , tecladista y arreglista John Paul Jones y el otro John ( Bonham)  en la bateria

Led Zeppelin presentó elementos de un amplio espectro de influencias, como el blues, el rock and roll, el soul, la música celta, la música india, la árabe, el folk, e incluso el country.

DEEP PURPLE

La banda considerada pionera del hard rock y heavy metal con mas de 200 millones de discos vendidos en el mundo con record en el libro guiness

Ian Gillan (voz), Ritchie Blackmore (guitarra), Jon Lord (teclados), Ian Paice (batería) y Roger Glover (bajo),  esta es la formacion mas estable a pesar detodos los integrantes que pasaron

QUEEN

La banda de rock británica formada en 1971 en Londres por el guitarrista Brian May, el cantante Freddie Mercury y el baterista Roger Taylor, con el bajista John Deacon completando esta alineación al año siguiente. Si bien presentan las bajas de dos de sus miembros (Mercury, fallecido en 1991 y Deacon, actualmente retirado de la industria musical), lo cierto es que la sociedad artística nunca se disolvió.

PINK FLOYD

Que decir de estos genios , otra banda britanica que cosecho popularidad por la musica psicodelica que fue evolucionando hacia el rock progresivo y el rock sinfónico con el paso del tiempo

Inicialmente el grupo estaba formado por el guitarrista Bob Klose, el baterista Nick Mason, el teclista y vocalista Richard Wright, el bajista y vocalista Roger Waters y el guitarrista rítmico y vocalista principal Syd Barrett, quien se convirtió en el primer líder de la banda. Sin embargo, el extraño comportamiento de éste último, causado por el excesivo consumo de drogas, especialmente LSD, hizo que fuera sustituido en 1968 por David Gilmour cristalizando así la formación clásica del grupo tras la anterior marcha de Klose.

COMO ESTOS YA NO HABRÁ NUNCA MAS  Y TODOS BRITÁNICOS POR SI QUEDABA ALGUNA DUDA

PARA MI GANAN LOS 4

Saludos gente!

CHARLY Y SU 60X60

Charly García, figura indispensable de la música popular si es que hay una, aseguró hoy que tiene, a los 60 años, "un delirio creativo controlado" y prometió nuevas canciones luego de completar la gira de presentación de su triple álbum 60x60.

García enfatizó que su "delirio creativo controlado" contrasta con su pasado y su vida de excesos. "Entonces estaba nervioso y con problemas entre el personal" (por sus músicos), confesó.

El líder de La máquina de hacer pájaros y Serú Girán presentó el miércoles en sociedad su nuevo álbum, que condensa 60 canciones grabadas en vivo en los conciertos que ofreció en el teatro Gran Rex, a fin del año pasado.

El álbum contiene tres conciertos diferentes titulados "La vanguardia es así", "Detrás de las paredes" y "El ángel vigía" que, si bien no tienen composiciones nuevas, ofrecen algo del genio musical de García.

"Estoy orgulloso de este disco. El hacer la toma en vivo en un teatro hizo que funcione. Los 60 años me cayeron bien", dijo.

El músico aseguró que, con la formación que lo acompaña -que asume un carácter orquestal- encontró "un nuevo sonido y, con él, posibilidades creativas que antes no tenía".

La banda que lo acompaña, llamada The Prostitution, incluye a Cristine Brebes, Julián Gándara, Carlos García López, Carlos González, Kiuge Hayashida, Rosario Ortega, Fernando Samalea, Toño Silva, Alejandro Terán y Fabián Von Quintiero.

"Esa nueva sonoridad -explicó- es neoclasicista, polirrítmica y minimalista". García afirmó que esa línea ya está presente en su álbum triple donde, "si bien no hay canciones nuevas, esas canciones aparecen con un nuevo ropaje".

Interrogado sobre la mirada que tiene de su propio pasado, el músico aseguró que el disco Clics modernos (1983) "es el que mejor suena".

Y sobre su estado personal, recordó que "tuvo momentos de mucho nerviosismo, pero ahora nada con patas de rana".

García estará presentando 60x60 el próximo miércoles en Best Buy Theatre de Nueva York; el 28 en The Filmore de Miami; el 25 de mayo en el Movistar Arena de Santiago, Chile; y el 26 de mayo en el Auditorio Bustelo de Mendoza.

A Córdoba llegará el 9 de junio, para un show en el Orfeo Superdomo. Las anticipadas se pondrán a la venta en las próximas semanas. Luego llegará la presentación oficial del disco en Buenos Aires: el 29 de agosto y el 4 y 6 de septiembre en el estadio Luna Park .

LEVON HELM NOS DEJO EN ESTA VIDA, PERO QUEDA VIVO EN NUESTROS CORAZONES

Levon Helm, batería y vocalista de The Band, murió la pasada madrugada a causa de un cáncer. Tenía 71 años. Levon Helm nació en Marwell, Arkansas, en 1946, en el seno de una familia de granjeros. A los 8 años aprendió a tocar la guitarra, y posteriormente la batería. Tras graduarse en el instituto, se unió a la banda de Ronnie Hawkins, The Hawks, que habitualmente tocaron en bares y clubes del sur de Estados Unidos y en Canadá. En 1959, The Hawks se trasladaron a la ciudad canadiense de Toronto. Allí, Helm y Hawkins reclutaron al guitarrista Robbie Robertson, al bajista Rick Danko, al pianista Richard Manuel y al organista Garth Hudson. Finalmente, en 1963, Hawkins dejó el grupo, que pasó a denominarse sucesivamente Levon and The Hawks, The Canadian Squires y por fin The Hawks.

A mediados de los sesenta, cuando Bob Dylan estaba evolucionando hacia el rock eléctrico, se fijó en ellos y les propuso que fuesen su banda de acompañamiento. Ante la mala respuesta del público a los primeros conciertos con Dylan, Helm dejó la banda y regresó a Arkansas. Dos años después, tras los conciertos europeos, Helm regresó a los Hawks. Mientras negociaban un contrato, The Hawks pasaron a denominarse como The Band. Su primer disco “Music from Big Pink”, llegó en 1968. The Band se separaron en 1976, con un último concierto “The Last Waltz”, que fue filmado por Martin Scorsese para la mítica película del mismo título.

A partir de entonces, Helm inició su propia carrera, con discos como “Levon Helm and the RCO All Stars” (1977), “American Son” (1980) o “Levon Helm” (1982). The Band se reunieron en 1983  sin Robbie Robertson. En 1993 publicaron  “Jericho” y en 1996 “High on the Hog”. El último, “Jubilation” (1998), celebraba el 30 aniversario de la banda. En 1998, a Helm se le diagnosticó un cáncer de garganta, que tras un tratamiento de radioterapia y ser extirpado le provocó daños importantes en sus cuerdas vocales. En enero de 2004 volvió a dar un conierto, y en 2007 regresó con un nuevo disco, “Dirt Farmer”

EL ROCK POP DE MANA SUPERA AL POP DE BRITNEY EN LOS ANGELES

La banda mexicana de rock pop Maná se consolidará como el grupo con más conciertos ofrecidos en el Staples Center de Los Ángeles, al dar tres actuaciones los días 19, 20 y 25 de abril, en la segunda parte de su gira Drama y luz .
La agrupación comparte honores con la intérprete juvenil Britney Spears por la mayor cantidad de presentaciones en la historia del Staples Center, con ocho conciertos, pero en esta ocasión, sobrepasará ese récord al regresar a Los Ángeles con la segunda parte de su gira por tres noches.
Para esta última, Maná se presentará este martes en Sacramento, el jueves hará lo propio en dicho recinto y un día después dará su segunda actuación en Los Ángeles.

Para el 22, la banda mexicana visitará Fresno, California, y el 24 estará en San Diego, para el 25 regresará de nueva cuenta al Staples Center y el 27 se presentará en Oakland.
En mayo, Maná ofrecerá un concierto en Phoenix; prevé el 4 y el 6 llegar a El Paso; posteriormente; el 8, ofrecerá un recital en San Antonio y el 9, en Corpus Christi, para finalizar el 11, en Miami, Florida.
El álbum Drama y luz recientemente ganó el Grammy y Latin Grammy como Mejor Álbum de Rock. El disco también produjo tres sencillos que alcanzaron de manera consecutiva el puesto uno en la revista Billboard .


"Siempre hemos dicho que Los Ángeles es la capital del rock en español", dijo González.

"Es increíble ver la demanda de la gente que nos quiere ver en Los Ángeles", añadió el baterista de la banda, nacido en Miami y de origen cubano-colombiano. "Sabíamos que teníamos muchos fans en Los Ángeles y fuera de Los Ángeles que van a esa ciudad para vernos. Ha sido algo fuera de serie y estamos muy agradecidos con los fans porque somos lo que somos por ellos", añadió.

El centro con capacidad para 17 mil personas ha sido escenario de artistas como Bruce Springsteen, Mariah Carey, U2, Paul McCartney, Jay-Z, Kanye West, Roger Waters y Sade, así como de superastros latinos como Shakira, Luis Miguel, Juanes, Ricky Martin, Joan Sebastian, Jenni Rivera y Marco Antonio Solís.

Ubicado en el corazón de Los Ángeles, también es sede de los clubes de baloncesto Lakers y Clippers y del equipo de hockey sobre hielo Kings. Allí se han realizado los Grammy y Latin Grammy, la Convención Nacional Demócrata del año 2000 y peleas de box por el título mundial.

"Lo importante, y no es por presumir, es que es increíble ver que un artista latino que viene de afuera puede estar batiendo récords y llenar coliseos tan importantes de este país", expresó el baterista. "Muestra que los fans latinos que tenemos en los Estados Unidos ya tienen una voz importante en este país, voz de gente trabajadora, que es la gente que prácticamente sostiene este país y está haciendo los trabajos más difíciles para mantener la economía".

2 VIDEOS INÉDITOS DE GUSTAVO CERATI?

Para callar la boca de esa gente que no sabe dedicarse a otra cosa que a estar inventando noticias para hacerse famosa, vamos a cambiar de tema y vamos a hablar de esta nota que me pareció muy interesante y que esperemos ver mientras nuestro gran querido musico despierta

Finalmente le digo a la gente de Twitter que se dedica a poner noticias inventadas que esto no es ninguna diversion, vayanse a divertir con sus familias en lugar de estar inventando cosas sobre un Personaje Ilustre, haganlo por respeto a la familia , a sus seguidores, amigos, el mismo y el rock Argentino en general

Vamos con la nota:

2 VIDEOCLIPS INÉDITOS DE CERATI:

Sólo se estrenaron dos videoclips de "Fuerza natural", el último disco de Gustavo Cerati antes de su ACV: "Déja vú" y "Rapto": los fanáticos recordarán al ex Soda Stereo manejando una coupé ochentosa por una ruta. Esos videos no tenían un orden correlativo, pero se desconocía cuál era la historia que había detrás hasta que el director de los clips contó todos los detalles.

Los videoclips eran "una road movie casi lisérgica. Lo que estábamos haciendo con Gustavo antes de su ACV era 'Fuerza natural, la película'", explicó Andy Fogwill, cineasta y propietario de la productora Landia, a la revista Rolling Stone. El director de los clips confirmó que hay dos cortes del quinto disco de Cerati sin estrenar: los de "Magia" y "Cactus". Sin embargo, Damián Amato, el presidente de Sony Music, la discográfica del cantante, aclaró los tantos. "Creemos que no es momento de mostrar este material", afirmó el directivo.

Fogwill explicó a la revista que "Magia" era la secuela de "Déja vú" y que "Cactus" oficiaba de precuela de "Rapto". "Primero iba a salir 'Magia', aunque 'Cactus' ya estaba filmado; lo hicimos junto con los videos anteriores y es simple, con Gustavo bailando en el desierto de Jujuy, tocando la guitarra. En cambio el de 'Magia' fue el último que grabamos, justo antes de que saliera de gira. Y tiene mucho acting, como 'Rapto'", agregó.

El director agregó que hablaba diariamente con Cerati sobre los cambios al producto, y que tuvo una última reunión virtual justo antes de su último recital en Caracas. "'Magia' quedó en un 85 por ciento. Faltó que Gustavo aprobara esos últimos retoques que me pidió por Skype en nuestra última charla. Estaba quedando muy bueno", detalló. "Yo ahora tengo su testamento artístico. Lo que hice fue borrar todos los archivos de todas las compuadoras de la productora y guardé una copia de seguridad en un disco rígido que está en una caja fuerte. La otra copia que existe está en la computadora de Gustavo", completó Fogwill a Rolling Stone. ¿Algún día lo podremos ver?

POR FIN EL DISCO NUEVO DE VAN HALEN " A DIFFERENT KIND OF TRUTH"

En medio de toda la polémica suscitada en torno a los conflictos entre Sammy Hagar, Michael Anthony y su ex-banda Van Halen, con continuos cruces de declaraciones (algunas de ellas con bastante mala leche) se publica por fin el tan ansiado nuevo álbum de los Van Halen originales con David Lee Roth.
Y claro en con todo este tinglado montado, el álbum casi ha pasado en un primer momento a un segundo plano o por lo menos en una de las noticias mas que llegan del seno de mundo Van Halen, y aunque no es que este sea el canto del cisne del grupo, es cierto que es bastante mas de lo que un servidor esperaba de ellos a estas alturas y más teniendo en cuenta que muchos esperábamos una nueva oportunidad para ver si esta reunión iba ir en serio o iba a ser otro fiasco. De hecho, el que el hijo de Eddie, Wolfgang, se hiciese cargo del bajo en sustitución de Michael Anthony no presagiaba nada bueno en un principio. 
Pero una cosa si teníamos claro todos y es que ya habíamos asumido que aprovecharían material desechado para sus primeros álbumes (por eso también lo de no esperaria demasiados alardes compositivos, ya que al tratarse de descartes, se te queda la mosca detrás de la oreja) pero y e aquí que nos encontramos con un álbum que combina las cualidades de su mejor época con la experiencia que les han dado los 40 años de carretera.
Y es que aquí no nos vamos a encontrar los medio tiempos ni las baladas típicas de la era de Hagar, todo contrario, el enérgico y poderoso rock es el denominador común de todo el disco y en el encontramos desde los clásicos temas al más puro estilo Van Halen de su primer álbum, como She´s The Woman, Bullethead o China Town hasta refrescantes canciones como Me and your blues, Beats workin’o Tattoo.
En cuanto a la banda decir que David Lee Roth  esta en un estado vocal excelente, recordando sus mejores momentos con la chulería y el buen sentido de humor de antaño, Eddie sigue inconmensurable como no podía ser de otra manera, con ese virtuosismo y ese talento que Dios le ha dado para las seis cuerdas, y la sección rítmica funciona a la perfección con un Alex Van Halen pletórico de fuerza y destreza y un Wolfgang Van Halen que ha encajado en el grupo como un guante y su bajo suena como un poderoso complemento a la guitarra de su padre y conformando una base rítmica aplastante y con un sonido espectacular.
En definitiva un gran disco para muchos y un muy buen disco para otros tanto y a buen seguro que nadie quedara desilusionado con este resurgir de una de las más grandes formaciones de la historia del Hard Rock

LA LISTA DE LOS ALL STARS

De acuerdo a una lista tentativa revelada por la empresa telefónica Personal, que organiza junto a la productora New Vision el Personal Rock Festival, que tendrá como estrellas a la inédita agrupación liderada por el integrante de Kiss, el icónico Gene Simmons, las legendarias figuras del rock cantarían unas 29 canciones

La presentación la abriría en el micrófono Duff McKagan, ex Guns 'N Roses, que interpretaría el exitoso tema de Axl Rose y los suyos “It's so easy”

Le seguiría el turno a Vince Neil, de la icónica banda de hard rock Motley Crüe, que lideraría a la banda a través de un recorrido por algunos de los éxitos más grandes de su banda, como “Dr. Feelgood”, “Girls girls girls”, “Kickstart my heart” y “Same old situation”.

Luego tomaría la posta Sebastian Bach, de Skid Row, y las canciones que seguirían son la emblemática “Welcome to the jungle” de los Guns, los temas de Skid Row “I remember you” y “Youth gone wild”, la canción de Led Zeppelin “Whole lotta love” y el clásico de Ozzy Osbourne “Crazy train”.

Glenn Hughes, exintegrante de emblemáticas agrupaciones como Deep Purple y Black Sabbath, será el próximo en el micrófono interpretando tres canciones de los Purple: “Highway star”, “Burn” y la icónica “Smoke on the water”; seguirían los temas de The Cult “Fire woman” y “Wild flower”. Luego Hughes cedería el micrófono a Ed Roland, que interpretaría la canción “Shine” de su grupo Collective Soul y el clásico de Billy Idol “Rebel yell”. Luego Roland y Hughes compartirían micrófono en “Man in the box”, de Alice in Chains.

El próximo en el micrófono sería el ex Guns Gilby Clarke, que lideraría la versión All Star del emblemático “Knockin' on Heaven's Door”, de Bob Dylan, célebremente versionada por Guns 'N Roses.

Joe Elliot, de Def Leppard, continuaría la noche con las canciones de su grupo “Animal” y “Pour some sugar on me”, a las que acompañaría con “All the young dudes”, de los británicos Mott the Hopple, y el clásico de Queen “Tie your mother down”.

La cabeza de la iniciativa All Stars, Gene Simmons, sería el último al micrófono, interpretando éxitos de los maquillados íconos del rock como “Deuce”, “Calling Dr. Love”, “I love it loud”, “Cold gin” y la infaltable “Rock and Roll All Nite”.

El final vería a todos los artistas juntos cantando el éxito de Guns 'N Roses “Paradise City”

ROGER HODGSON Y TODAS LAS FECHAS DE SU TOUR EN SUDAMERICA

Roger Hodgson, fundador y voz principal de Supertramp, estará de regreso por Argentina empezando el día de hoy en el Orfeo Superdomo de Cordoba en el marco de una gira que realizará por Sudamérica en los meses de Abril y Mayo de 2012. La última visita del músico británico a la Argentina había sido en el 2010

Roger Hodgson llega con el Breakfast in America Tour 2012 para presentarse en Córdoba, Rosario y Buenos Aires, donde los fans podrán revivir los grandes éxitos ‘Give a little bit’, ‘The logical song’, ‘Dreamer’, ‘Take the long way home’, ‘Breakfast in America’, ‘It’s raining again’, ‘School’, ‘Fool’s overture’ y muchos mas.

Shows Confirmados

• Martes 10 de Abril – Quito, Ecuador
• Jueves 12 de Abril – Lima, Perú
• Sábado 14 de Abril – Santiago, Chile
• Domingo 15 de Abril – Montevideo, Uruguay
• Martes 17 de Abril - Córdoba, Argentina
• Miércoles 18 de Abril – Rosario, Argentina
• Jueves 19 de Abril – Buenos Aires, Argentina 
• Sábado 21 de Abril al 5 de Mayo, Shows en Brasil

Hogar, dulce hogar
–¿Dónde vivís actualmente? ¿Cómo es tu rutina?
–Vivo cerca de San Francisco. Estoy siempre muy ocupado, pero mi rutina es muy simple. No tengo varias casas, tengo un solo hogar. Antes tuve muchas casas, muchos autos, pero eso ya no es valioso para mí. Me gusta estar liviano, agarrar la valija y venirme a lugares como Sudamérica a tocar. Eso es lo que cuenta. En casa llevo una vida muy tranquila, privada, mi vida espiritual es muy importante. Las giras ponen a prueba mi cuerpo y mi mente, y por eso después de cada tour trato de descansar, de mantenerme sano y recargar mis baterías, así puedo hacerlo todo de nuevo.

–¿Cómo te llevás con la leyenda “Supertramp”?
–Yo creé la leyenda, yo creé Supertramp. Supertramp fue mi bebé durante 14 años. Yo escuché Los Beatles y ellos cambiaron mi vida, y formé Supertramp con Rick Davies con la misma intención, queríamos cambiar el mundo. Queríamos hacer música importante y genial, y creo que lo hicimos bien. Estoy orgulloso de haber dejado ese legado. El único problema ahora es que esas canciones son mías, y la gente piensa que son de Supertramp. Y eso hay que corregirlo, hay que decirle a la gente que si quiere ver a Supertramp tiene que ir a ver a Roger Hodgson, porque él es el que mantiene vivo el espíritu.

–¿Creés que el conflicto entre vos y Rick Davies era inevitable?
–No creo que tenga que ser inevitable. Nosotros estuvimos juntos 14 años, fue una buena relación, es un período aceptable para cualquier matrimonio (risas). Pero éramos personas muy distintas, y cuando crecés sabés más lo que querés. Cuando sos joven sos más simple, no tenés muchas cosas por las que discutir. Pero a medida que envejecés te casás, tenés familia y él quería hacer esto y yo lo otro, y así es la vida, es el curso natural de las cosas. A mí esas diferencias me hicieron bien, porque yo tenía que desarrollarme como artista. Yo no tengo problemas con él, Rick sigue adelante con su vida, somos personas diferentes.

Roger Hodgson. El ex cantante de la legendaria banda británica Supertramp toca hoy a las 21.30 en Orfeo Superdomo (Cardeñosa 3450), en el marco de la gira “Breakfast in America Tour”. Entradas anticipadas de $ 110 a $ 495 en Tiendas Vesta de Dinosaurio Mall y en http://www.orfeosuperdomo.com/.

INGRESA GUNS ´ ROSES AL SALON DE LA FAMA SIN AXL ROSE

La ruidosa celebración, que en años recientes ha incluido momentos incómodos, homenajes emotivos y actuaciones inolvidables, sobrevivió sin Axl Rose, el vocalista de Guns N 'Roses quien algún día podría lamentar haberse perdido una noche en la que 6.000 seguidores, 1.400 invitados y muchas de las más grandes estrellas del género compartieron una fiesta en el Public Hall con la promoción del 2012.

Los rockeros de Guns N' Roses, sin Axl Rose, encabezaron el grupo ecléctico de miembros de este año en el Salón de la Fama. Otros homenajeados fueron los Red Hot Chili Peppers, los Beastie Boys, el ícono del folk Donovan, la fallecida cantante y compositora Laura Nyro y las bandas británicas Small Faces y Faces.

Antes del inicio de la ceremonia con una presentación de Green Day, el cantante de los Chili Peppers, Anthony Kiedis, dijo que era extraño recibir el honor mientras estaban en gira.

"¿Cómo podemos parar y recibir un premio cuando en realidad sólo estamos a mitad de camino? Pero es agradable estar con personas con las que pasamos algunos años increíbles en el camino, escribimos canciones e hicimos espectáculos en teatros pequeños y sudorosos clubes de travestis y pasamos la mejor época de nuestras vidas", dijo Kiedis.

Green Day, que estaba programada para introducir a Guns N 'Roses, echó a andar la noche con "Letterbomb".

Luego, la primera mención del nombre de Rose provocó un puñado de abucheos que fueron rápidamente ahogados por la música.

Por su parte, Rose dijo esta semana que no quería ser parte de la ceremonia, ya que "no parece ser un lugar en donde me quieran o respeten". Además, citó una ruptura con sus ex compañeros de banda como la principal razón para no asistir. Su decisión decepcionó a los seguidores y puso fin a meses de especulación acerca de si la agrupación original de los Guns N'Roses se reuniría por primera vez desde 1993 y tocaría alguno de sus éxitos clásicos como "Welcome to the Jungle" o "Sweet Child O' Mine".

Otras dos ausencias notables fueron la de Rod Stewart, quien ingresó junto con otros miembros de la banda The Small Faces/The Faces; el músico declinó su invitación a causa de una gripe.

"Estoy absolutamente devastado", dijo Stewart, citado en un comunicado publicado en su página web. "Destrozado porque me voy a perder mi segunda inclusión en el Salón de la Fama del Rock & Roll, y esta vez con mis colegas".

Así como la de Adam Yauch de los Beastie Boys, a quien que se le diagnosticó cáncer en 2009 y no pudo recibir su premio con los otros miembros de la banda, Mike D (Michael Diamond) y Ad-Rock (Adam Horovitz).

PAUL MC´CARTNEY CAUSO LOCURA EN URUGUAY

El músico Paul McCartney convirtió anoche en realidad el sueño de miles de uruguayos que asistieron al Estadio Centenario de Montevideo para disfrutar por primera vez en su país al ex Beatle, que con un cautivante concierto inició en Latinoamérica la gira "On the run".

A las 21, ante 50.000 personas, el músico británico subió al escenario, y  después de saludar a los más de 13.000 espectadores que siguieron el espectáculo a través de un circuito cerrado de televisión, montado en estadios municipales de fútbol de los departamentos de Rivera y Maldonado, inició el recital con “Hello Goodbye.

El sonido desde un comienzo fue impecable.

Antes de comenzar la canción, Paul, frente a miles de uruguayos, aseguró: "I have a feeling that we are going to have fun tonight" ("Tengo la sensación de que nos vamos a divertir esta noche").

"Hola Montevideo", dijo al finalizar el segundo tema y previo a arrancar con "Jet", uno de los grandes temas de Wings, del mejor disco de esa banda: Band On The Run. Durante esta canción se destacaron fuertemente los coros que seguían al artista.

Después de "Jet", cuando el público ya había entrado en calor, siguieron los temas "Got to get you into my life", "Sing the changes" y "The night before", tema que, según dijo McCartney al público, sonó en ese momento por primera vez en Sudamérica.

El artista continúo con "Let Me Roll It" donde se lució con su guitarra. "Esta guitarra es la que usé en los 60", dijo antes de tocar "Paperback Writer". Y el publicó enloqueció.

Luego, dejó la viola y se sentó al piano donde, "para los fans de Wing", tocó el tema "1985".

Siguió "My valentine", del nuevo disco Kisses On The Bottom. A la par del son de McCartney, la pantalla gigante transmitía el video clip, protagonizado por Natalie Portman y Johnny Depp.

Todavía en el piano, Paul entonó "Maybe Im Amazed". Allí demostró que aún alcanza notas altas con su voz.

Acompañado por su guitarra acústica cantó "Blackbird", y más tarde, para John Lennon, su "hermano" según dijo, cantó "Here Today". Gran emoción se vivió en ese momento entre el público.

Tras seguir y finalizar con "Dance Tonight", fue el momento de "Something", en homenaje a George Harrison.

"Son muy cálidos", dijo al ver la emoción del público.

Los temas que siguieron fueron "Band on the run" y la pegadiza "Obla-di-obla-da", canción que hizo estallar el Centenario. La fiesta siguió con "Back to USSR".

Mientras el Centenario vibraba, Paul dio la bienvenida a Maldonado y Rivera. En ese momento se encendieron las tres pantallas gigantes ubicadas en el Campus, el estadio riverense y frente a la explanada de la Intendencia de Montevideo.

Los temas que siguieron fueron "I’ve got a feeling" y "A day in the life", que el británico conectó a "Give Peace A Chance". Miles y miles de luces se veían desde la tribuna. El público cantó emocionado a la par de Paul. Entonces llegó "Let it Be" y la vibración de los más de 50 mil uruguayos presentes creció, convirtiendo ese tema en uno de los puntos más altos del show.

El tema "Live and Let Die" continuó el repertorio, con pirotecnia incluida. Para ese entonces iban más de dos horas de espectáculo. "Hey Jude" se escuchó después.

Tras los "naaa naaa naaa nananana" del público, llegó el primer bis con "Lady Madonna" y "Day Tripper". Paul entró con la bandera uruguaya y el Centenario volvió a estallar.

"¿Seguro que quieren más?", preguntó, y el público no dudó, a lo que McCartney respondió con "Get Back".

Luego, tras una nueva salida del escenario, volvió con una hermosa versión de "Yesterday".

A ese momento de serenidad siguió "Helter Skelter" para comenzar a cerrar a puro rock and roll.

"You’ve been a wonderful audience. All of us wanna thank you", ("Fueron una hermosa audiencia. Todos nosotros queremos darles las gracias") dijo previo a su despedida.

El final del show más esperado llegó con "Carry that weight" unida a "Golden Slumbers", para rematar con "The End".

Al final, el músico se despidió plantando una ilusión: "Adiós Uruguay. Nos vemos la próxima", dijo el gran artista.